Citiamo un suggerimento dell’ultramaratoneta Dean Karnazes: Corri quando puoi, cammina sino a strisciare se sei costretto, ma non mollare mai. Questa fotografia appare molto sgranata,…
...all we need is philosophy
Autore: Paolo Meneghetti
Paolo Meneghetti, critico d’estetica contemporanea, nasce nel 1979 a Bassano del Grappa (VI), città dove vive da sempre. Laureato in filosofia all’Università di Padova (nel 2004), egli ha scritto una tesi sull’ estetica contemporanea, in specie allacciando l’ ermeneutica di Vattimo alla fenomenologia francese (da Bachelard, Bataille, Deleuze, Derrida). Oggi Paolo Meneghetti scrive recensioni per artisti, registi, modelle, fotografi e scrittori, curando eventi (mostre o conferenze) per loro, presso musei pubblici, fondazioni culturali, galleristi privati ecc... Egli in aggiunta lavora come docente di Storia e Filosofia, presso i licei del vicentino.Per la Biennale di Venezia 2026, si può visitare dal 9 Maggio al 22 Novembre il Padiglione Nazionale dell’Islanda, e presso il Docks Cantieri Cucchini.…
Per la Biennale di Venezia 2026, fino al 22 Novembre sono visitabili al Palazzo Mora le installazioni e le sculture di Carrie Able, durante la mostra in collettiva Personal Structures. Bisogna ricordare che lei fa anche la musicista. Esteticamente c’entra l’intersezione fra la tradizione delle belle arti e le tecnologie immersive dalla realtà estesa. Ma quanto dialetticamente ogni illuminazione si renderà addensante? E’ la fenomenologia già di Platone per il ricettacolo d’una materia appena informe, che il Demiurgo divinamente rimodellerà per un nuovo mondo. Al di là del surrealismo dentro la mitologia, l’astrazione al simbolismo della luce per Carrie Able non solo svelerà, ma anche genererà. Data la trasmissione del tempo, forse varrà la corrispondenza fra il limite iniziale del Big Bang ed il limite terminale d’un multiverso. La sonorità diventa importante, poiché essa è percepibile direttamente dall’udito (senza un “filtro regolante”, come per gli altri sensi). Carrie Able apprezza la sinestesia. Col multiverso, si vagheggia un’interazione fra persone in una realtà virtuale.
Alla Biennale di Venezia 2026, sarà visitabile fino al 22 Novembre il Padiglione Nazionale dell’Estonia. Presso un’ex-chiesa, dove oggi funziona un centro sociale dei salesiani, Merike Estna ha installato i propri dipinti. La mostra, curata da Maria Arusoo, s’intitola The house of leaking sky. La sede è parecchio insolita, perché al soffitto affrescato nel Novecento corrisponde il pavimento piastrellato, in cui servono le linee per i due tabelloni della… pallacanestro! Merike Estna ha progettato di rimanere a Venezia per tutta la durata della Biennale, rivisitando le proprie pitture. Addirittura lei ad Agosto coinvolse gli studenti d’un master in arte contemporanea, dall’Estonia. Sull’ex-chiesa del padiglione non bazzicano mai i turisti. Anzi si conferma il tema estetico del pittore senza opera, se quest’ultima deve continuamente aggiornarsi in laboratorio, poiché è scarsamente noto il nome di chi lasciò l’affresco sul soffitto… Esteticamente, a Merike Estna interessa sintonizzarsi con la dimora. D’altronde sulla tela bianca i pigmenti si filtrano perché affiori una figura. Noi potremo immaginare, sintetizzando i due ambiti, che il quadro si svilupperà arieggiando sull’installazione. Con la dimora, bisogna familiarizzare. E’ l’unico ambiente in cui di notte non temiamo di perderci, in assenza d’una luce. Simmetricamente, la colorazione “prende fiducia” in uno svelamento per un eccessivo candore, dalla tela.
Per Verlaine, esteticamente la sfumatura sa accoppiare il sogno… col sogno (quando la realtà si dà solo alla dialettica con la virtualità), oppure il flauto al corno (prescindendo dalle scale di tonalità). Chiara è inquadrata al primo piano. Il volto pende leggermente, come se cercasse se non di sistemarsi almeno “d’intrufolarsi”: così ci si abitua al torpore. C’è un “corno” di capelli, che avrà una “scala” mediante più anelli sugli orecchini. Ma quanto le bretelle si faranno suonare, come un flauto, dai propri tasti? Ricordiamo che Chiara lavora nel cinema, fra i “binari” delle pellicole.
According to Verlaine, aesthetically the nuance is able to pair the dream… with the dream (when the reality happens only at the dialectics with the virtuality), or the flute with the horn (aside from the scales of tonality). Chiara was framed in the foreground. The face is slightly sloping, as if it looked for maybe not its arrangement but at least its “infiltration”: that’s the way to become accustomed to a torpor. There is a “horn” of hair, which will have a “scale” through many rings on the earrings. But how much will the straps allow their sound, like a flute, from the own keys? We remember that Chiara works in the cinema, between the “rails” of the celluloids.
Cormac McCarthy ci descrive la distopia d’una società apocalittica in cui si rimane in possesso unicamente d’un carrello della spesa, e per strada. Il consumismo non ci abitua mai al peggio, ossia all’inedia. Né da quello dovrebbe ricominciare la civiltà, forse. Anastasia ha posato per una fotografia unicamente al bianconero. Lei è stata inquadrata sulla sedia, dal modello classicamente spartano. Nello sguardo, noi tendiamo a percepire una fierezza mista alla malinconia. C’è l’abbandono delle mani, col contraltare della cintura dove gli oblò potrebbero ondeggiare verso una riva lontana. Noi immaginiamo una configurazione a “carrello della spesa” per il top monospalla. Anastasia cavalca la sedia in modo innaturale, quasi “consumandola”. Esteticamente, la fotografia si percepisce all’esistenzialismo del bohemien. Le gambe sarebbero state tagliate lasciando un lembo di pelle come rotella, per un carrello rispetto alla sedia.
Cormac McCarthy describes for us the dystopia of an apocalyptic society where we remain in possession only of a shopping cart, and on the road. The consumerism never gets us used for the worst, namely to the starvation. Neither from that a civilization should restart, maybe. Anastasia posed for a photography only in black and white. She was framed in the chair, with a model classically spartan. In the gaze, we tend to perceive a pride mixed with a melancholy. There is the abandonment of the hands, with the counterbalance of a belt where the portholes could ripple into a distant shore. We imagine a configuration as “shopping cart” for the one shoulder top. Anastasia rides the chair in unnatural way, almost “consuming” it. Aesthetically, the photography is perceived at the existentialism of the Bohemian. The legs would have been cut leaving a flap of skin as small wheel, for a cart compared to a chair.
A Venezia, per la Biennale 2026, presso la sezione dell’Arsenale si possono vedere gli allestimenti in tessuto di Tabita Rezaire, nata a Parigi anche se residente nella Guyana francese. Quasi pare che il tradizionale culto per la Madre Terra rimbombi al tamburo d’uno “stendibiancheria” per i petroglifi. Si tratta di far resuscitare addirittura le rocce, cosicché i fossili si concentreranno sulla plasticità delle ossa, per inseguire l’orizzonte emergente. A Venezia gli allestimenti sono stati accompagnati da una didascalia, a cura di Alexis Pauline Gumbs.
Tabita Rezaire opta per un tessuto tinto di indaco. La sera lucida il cielo sereno tramite il fragore ammortizzato delle stelle. Spiritualmente, l’ascensione fossilizza il terremoto (in cui si perde la stabilità). La Guyana francese in passato fu sfruttata pure per la colonia penale. Nei pannelli per l’installazione che si chiama Omo Elu, appare il disegno per la dea Yemoja. Lei nella mitologia del popolo Yoruba governa l’acqua. L’indaco, ricavabile da piante che crescono nella Guyana francese, si percepiva “abissale” nello sfruttamento voluto dai colonialisti d’oltreoceano. Un secondo allestimento, dal titolo Mother Trinity, schiaccerebbe il tamburo attraverso il disco. Ad un antropologo interessa il “manifesto” d’una cultura, all’interno delle diverse epoche; così la teca sigillata dell’archeologo sarà dibattuta sul “panno” della ritualità. L’allestimento dal titolo Mother Trinity non si limita a citare il tondo rinascimentale. C’è da preservare l’archetipo del tronco, dove gli anelli si sbattono per ipnotizzare. Il rituale si tramanda pedagogicamente, in una cultura. La Guyana francese ha una grande densità di foresta tropicale, dove è perfino straordinaria la biodiversità. Esiste il “tamburo” per la stagione delle piogge. L’antichissimo Massiccio della Guyana ha lo “stendibiancheria” del tepui, dove la forma del tavolo dà l’ascensione a quella della grotta coi petroglifi.
A Venezia, per la Biennale d’Arte 2026, è visitabile il Padiglione Nazionale di El Salvador, avente le sculture di José Oscar Molina, e presso il Palazzo Mora. Esteticamente, gli interessa uno snodo per la mente oltre ogni tensione del corpo. La mostra, che s’intitola Cartographies of the displaced, è stata curata da Alejandra Cabezas. La società contemporanea si trasforma grazie alle migrazioni. Questo comporta una dissoluzione dei confini politici. El Salvador rientra in un corridoio geografico, fra le due Americhe. L’uomo odierno appare costantemente “sradicato” all’incertezza degli spostamenti. C’è lo stress per quei progetti di vita che faticano a realizzarsi. Allora si reagirà per flessibilità, con la riqualificazione dell’ambizione? Le sculture di Molina hanno teste che “spuntano come spore di funghi”, in cima a colonne di “bruchi per stalagmiti”. E’ arduo mappare una grotta: più diramazioni potrebbero restringersi. La farfalla libra casualmente, senza avere una meta fissa. In una grotta, il campo elettromagnetico per la telefonia salta: le antenne si faranno “sballottare”, fra le rocce. La stalagmite è di snodo per il ristagno. La preoccupazione per il disorientamento si previene dal filo di Arianna: e non solo mitologicamente! Ma quanto al “bruco” sarà concesso di potersi rifare una vita, in un simbolismo per la politica?
Con Luigi Meneghello, la morra cinese al sasso-carta-forbici non prevede l’escamotage del pertugio, che invece è frequente nel corpo umano: dall’occhio, dalla narice, dalla bocca, dall’orecchio ecc… coi sensi aventi le loro peculiarità. Cristina è stata inquadrata per uno scatto al bianconero. Lei posa accovacciandosi. Ci piace immaginare la dialettica d’una “morra cinese”: tra la carta del cappotto (che s’allunga fino ai piedi), le forbici delle braccia (che s’incrociano) ed il sasso della testa (che è ampliato dalla mano sulla guancia). Però lo scatto dovrà esaltare il “pertugio” dello sguardo, che ci seduce.
With Luigi Meneghello, the rock-paper-scissors does not envisage the gimmick of a narrow opening, which instead is frequent in the human body: from the eye, from the nostril, from the mouth, from the ear… with the senses which have their peculiarity. Cristina was framed for a shot in black and white. She poses crouched. We like imagining the dialectics of the “rock-paper-scissors”: between the paper of the coat (which stretches out until the feet), the scissors of the arms (which are intersected) and the rock of the head (which is enlarged by the hand on the cheek). However the shot will have to exalt a “narrow opening” of the gaze, which seduces us.
A Venezia, per la Biennale d’arte 2026, si può visitare per la prima volta il Padiglione di Nauru, con opere in collettiva tramite autori nati in Paesi diversi: Kauw Tsitsi, CPS (Khaled Ramadan ed Alfredo Cramerotti), Patricia Jacomella Bonola, Tedo Rekhviashvili, Sylvia Grace Borda, Ron Laboray, Dorian Batycka, Khaled Hafez, Iv Toshain, Stefano Cagol. La sede si trova allo Spazio Castello 3683. Il titolo della mostra è Aim inundated: imagining life after land. Uno degli artisti, Khaled Ramadan, ha fatto la curatela. Innanzitutto bisogna ricordare che Nauru è il più piccolo fra gli Stati insulari del mondo. Così gli sconvolgimenti climatici dell’era contemporanea toccherebbero davvero la “sensibilità” dei residenti (mancando l’approssimazione “difensivista” per sottovalutazione del tipo < Perché mai dovrebbe succedere proprio a me? >, che in Occidente blocca per “miopia” i governi, in tante ma inutili riunioni). Nauru ha conosciuto una storia di “pressioni” interne, sull’estrazione del fosfato da velocizzare. Ma non si temette il pericolo dell’esaurimento. Oggi la dialettica tra il consumismo e l’ambientalismo rimane. C’è l’innalzamento ineluttabile degli oceani, mentre l’industria estrattiva progetta di riqualificarsi dai fosfati al manganese, sui fondali che hanno una biodiversità meritevole di preservazione. Venezia vive un simile paradosso, fra le paratoie del MOSE ed il Canale dei Petroli. La bandiera di Nauru indica la posizione dell’isola rispetto alla linea dell’equatore. Tuttavia non si può colonizzare una stella. L’umanità dovrà ripulire la Terra dall’inquinamento. La storia ci attesta che nemmeno l’esotismo ha evitato il colonialismo, purtroppo. A Nauru la percentuale d’immigrati è alta; loro virtualmente “solleveranno” il falso atollo, in quanto (r)accolti, alla morbidezza per una calamita. L’isolamento progredisce tramite la coralità. Ricordiamo il motto a chiasmo di Alexandre Dumas che caldeggia il < tutti per uno, uno per tutti >. Nauru non ha l’arcipelago. Dunque diventa più spontaneo l’appoggio ad un organismo sovranazionale, per correggere le criticità appartenenti a tutti. Ad esempio il consumo della plastica mondiale si concentra in un falso continente, il quale galleggia sull’Oceano Pacifico. Il fosfato è utilizzato per detergere, anche se a Nauru la natura lascia le spiagge bianchissime; il manganese è utilizzato per le batterie, con l’isolamento di Nauru che necessita d’un minimo di connessioni, come dal turismo.